24 diciembre, 2006

La pintura del siglo XIX. El IMPRESIONISMO

El siglo XIX fue rico en movimientos pictóricos con estilos bien definidos, pero con elementos comunes (todos eran figurativos, más allá de las diferencias entre ellos):
1. El neoclasicismo, cuyos más importantes representantes fueron Jacques Louis David, y Jean Dominique Ingres.
2. El romanticismo, con precursores como Theodore Gericault, y con su principal exponente, Eugene Delacroix.
3. El realismo, que dejando de lado los temas históricos, románticos, mitológicos o literarios, se abocó a mostrar los simples elementos de la realidad: los personajes comunes, las tareas humildes, la vida cotidiana y la naturaleza. Sus principales exponentes, Francois Millet, Gustave Courbet y Camille Corot.


Pero el realismo introdujo un cambio sustancial en el campo de la pintura: el pintor no solamente se alejaba de los "grandes temas" que atraían a los pintores de los movimientos precedentes. También movió a los artistas a cambiar su manera de trabajar. Los artistas comenzaron a salir de sus talleres, y buscaron llevar sus caballetes a los lugares a los que deseaban representar en sus obras. Así empezaron a pintar al aire libre, observando el paisaje, y tratando de que sus cuadros mostraran la realidad que miraban.
Esta nueva manera de "mirar" los temas de sus cuadros, desembocó en un movimiento que posteriormente avanzó hacia lo que se llamó en su momento, el , el 4º movimiento importante del siglo XIX, y que todavía hoy tiene numerosos admiradores.


¿Qué es el IMPRESIONISMO?

Partiendo de las investigaciones en el campo de la física y de la óptica, según los cuales la luz no es blanca, sino que está compuesta por todos los colores, comenzaron a pintar observando y representando la realidad que veían, de otra manera.
Era necesario para ello ver la luz en todas las cosas, y tratar de captar de manera rápida, el efecto fugaz de la luz sobre los elementos. Todas las cosas tienen color, decían ellos, incluso las sombras. Y partiendo de la composición de la luz por todos los colores, aplicaban sobre la tela pinceladas yuxtapuestas de colores puros, pretendiendo que fuera el observador quien, en su retina, realizara la mezcla del color buscado.
La pintura realizada no podía ser demasiado elaborada, ni las formas excesivamente definidas. Sólo se aplicaban manchas de color, y de manera rápida, ya que la luz sobre los elementos cambia a cada momento.
Los pintores impresionistas rechazaban los mandatos de la Academia Francesa de Bellas Artes, que indicaba cómo había que pintar, y patrocinaba las exposiciones de los pintores clásicos. Por eso realizaron su primera exposición en el que se llamó el Salón de los Rechazados, lugar en el que expusieron quienes no eran aceptados en el Salón Oficial.


El más importante pintor impresionista fue Claude Monet, influído por Edouard Manet, cuyo cuadro "Impresión: sol naciente" dio pie para que un crítico de ésta y otras obras del mismo movimiento, llamara a éstos, "impresionistas", a raíz del nombre del citado cuadro. Pero los lo adoptaron con gusto, ya que el nombre se avenía muy bien a la intención de los seguidores del movimiento.

Otros pintores impresionistas fueron Auguste Renoir, Camille Pissarro, Edgard Degas, Berthe Morissot y Alfred Sisley.



Estas alumnas de 3º año del Ciclo Básico, Laura y Marina, de la Escuela de Danzas A. V. Mastrazzi (Ciudad de Buenos Aires), realizaron sus propias interpretaciones del impresionismo, con talento, esfuerzo y creatividad.
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19 diciembre, 2006

Una técnica milenaria...


Mosaico realizado en papel, por Gala (1º Inic. 4ª, Escuela de Danzas)



Continuando el paseo por la Historia del Arte, esta vez nos detenemos en el arte decorativo utilizado por los romanos: el mosaico.
La técnica ya era empleada en la época helenística, como lo prueba el famoso mosaico de "La batalla de Isos", en la que el emperador Alejandro Magno se enfrenta a Darío, en el siglo IV a.C.
Luego, los continuaron y perfeccionaron la técnica, aplicándola de manera profusa y variada en toda cuanta construcción levantaban a lo largo y ancho de su imperio: en los pisos de palacios, termas, villas, jardines, todavía hoy pueden encontrarse ejemplos de los bellos mosaicos dejados por los artesanos romanos.
Los realizaban utilizando pequeñas teselas de variados colores, o con una gama limitada de hasta cuatro colores, o incluso con la combinación de, solamente, blanco y negro. Las ciudades de Pompeya, Stabias, Herculano y Boscoreale, sepultadas por la erupción del Vesubio en el año 79 d.C., han dejado maravillosos ejemplos de esta hermosa técnica, los más bellos de los cuales se encuentran hoy en el Museo Arqueológico de Nápoles.

Estos mosaicos con sellos de papa pertenecen a Daniela, Estefanía y Pamela, de la Escuela de Danzas.

Los temas de los mosaicos representaban escenas mitológicas, de la vida cotidiana, formas vetales y florales, diseños geométricos y hasta solitarias pero significativas figuras, como los conocidos "Cave Canem" (Cuidado con el perro), encontrados en las entradas de muchas casas pompeyanas, en los que se muestra a un perro, como símbolo de la protección a sus ocupantes.

La técnica del mosaico continuó utilizándose con la aparición del cristianismo, con temas, obviamente, de carácter religioso y/o simbólico. Durante el Imperio Bizantino, la técnica llegó a su culminación, realizándolos no ya en los pisos, sino en paredes, techos y bóvedas de las iglesias, incluyendo los maravillosos "fondos de oro", para añadir magnificencia y simbolismo a los temas representados.

Estas alumnas de 1º año del Ciclo Básico, aplicaron una técnica parecida, no en cuanto al uso de teselas, pero sí en cuanto al uso de pequeñas piezas de diseño similar, realizadas con sellos de papas, y pintando con ellos por medio de la témpera.
















Estos otros fueron realizados con marcadores, imitando con el diseño la forma de los mosaicos. Pertenecen a Anahí y Margarita, de 1º Inic. 4ª, de la Escuela de Danzas Aida V. Mastrazzi, de la Ciudad de Buenos Aires.
Los que están debajo, fueron diseñados por Karina y Macarena, de 1º año del Colegio Schönthal.















¡Estoy segura que van a gustarles!
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11 diciembre, 2006

Hacia el realismo

¿Es difícil para los alumnos adolescentes acercarse al ?




El realismo podría definirse como la "fidelidad hacia los objetos o elementos representados", lo que los griegos llamaban "mímesis".


Sin embargo, ese camino iniciado por los griegos en épocas de los pintores Zeuxis y Parrasio, continuado luego por los romanos, y retomado en el Renacimiento, fue sufriendo diferentes significaciones.

Durante el siglo XVII los pintores se afanaban, en sus "naturalezas muertas", por desplegar su virtuosismo técnico para mostrar lo representado con una fidelidad casi fotográfica. Pero a los temas y elementos, sumaban un contenido religioso: la era también una excusa para la reflexión: la belleza natural es perecedera. Sólo la belleza del alma perdura. Por eso muchas veces incluían en sus cuadros una calavera, como símbolo de lo inútil de la vanidad humana por la belleza física.





















Para estas alumnas adolescentes, aplicar el realismo en sus trabajos representó un triple desafío: debían inventar un conjunto de objetos de la realidad, pero que no existían realmente. Y al mismo tiempo, pintarlos aplicando una paleta limitada de colores (una tríada de colores primarios o de secundarios) y utilizar la témpera para sugerir sombras y volúmenes.

El esfuerzo fue grande, llevó mucho tiempo, pero los resultados fueron altamente satisfactorios, tanto para ellas como para mi, su docente.



Espero que también a Uds. les gusten.





Los trabajos fueron realizados por Camila, Vilma, Hosanna y Julieta, de la Escuela de Danzas A. V. Mastrazzi, de la Ciudad de Buenos Aires.

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05 diciembre, 2006

Un paseo por la Prehistoria.












Las maravillosas pinturas de la cueva de Altamira, en España, son una muestra de lo que hoy llamamos "arte" de la . Pero como estaban a punto de desvanecerse, fueron reproducidas en una caverna próxima, en lo que hoy se conoce como Altamira 2.


















Una manera de conservar su recuerdo y su valor es también observarlas y copiarlas, como hacían los grandes artistas con sus maestros predecesores, y como hicieron estas alumnas de 1º año de la Esc. De Danzas A. V. Mastrazzi, Estefanía y Maria Cielo, y los alumnos Belén y Christian, de 1º año de la Esc. Normal Superior Nº 2, Mariano Acosta.

La técnica que utilizaron fue témperas sobre papel de lija, como para que las pinturas tuvieran una textura similar a las de las paredes de las cavernas de la .

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03 diciembre, 2006

¡Cuánto podemos hacer con la línea!...


Las posibilidades que brinda el uso de la línea son tan amplias como las que da el punto.
























Podemos hacer texturas con relieves (por medio de líneas curvas), o texturas que simulan superficies planas (utilizando líneas rectas).

















También, por medio de líneas rectas, realizar diseños reticulares, en los que las líneas, al cruzarse, simulan relieves y forman figuras.

Estos diseños abstractos fueron realizados por las alumnas Natalia, María Victoria, María Paz y Carolina, de la Escuela de Danzas A. V. Mastrazzi (Ciudad de Buenos Aires).




Pero también podemos utilizarlas simplemente para diseñar una forma concreta, como un rostro humano, y aprovechar la línea para modelar y sombrear (diseño de Selene).

Al igual que el punto, la línea es un medio sumamente expresivo para realizar composiciones creativas, originales e interesantes, como las realizadas por estas adolescentes.
¡Estoy segura que a Uds. también les resultarán atractivas!
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02 diciembre, 2006

El punto, ése ínfimo elemento...






¿Qué se nos ocurriría diseñar, si sólo pudiéramos utilizar ....???







Las posibilidades expresivas del punto ya las había explicitado VASILY KANDINSKY: (1866-1944, pintor ruso cuya investigación sobre las posibilidades de la abstracción le sitúan entre los innovadores más importantes del arte contemporáneo). El pintor decía, en su postura teórica, que

"toda composición se debe articular en base a las tens
iones dinámicas surgidas de la combinación de los tres elementos básicos, el punto (como elemento primigenio de una tensión en reposo), la línea (como fuente de energía direccional) y el plano (como campo donde se han de organizar o componer las tensiones)".









Y si bien la obra (teórica y artística) de Kandinsky abrió el camino hacia el arte abstracto, permitió también valorar el uso expresivo del en todo tipo de diseños.
























Estos trabajos de Malena y Ailén (Escuela de Danzas A. V. Mastrazzi, Ciudad de Buenos Aires), y de Camila y Mateo (Esc. Normal Superior Nº 2 Mariano Acosta) muestran tanto la aplicación del punto, en diseños abstractos, como figurativos.

Con mucho esfuerzo, tiempo y talento, ellos supieron expresarse artísticamente.

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